Datemi ascolto

1911 - 2011: un fiore a Grinzing.

2011-05-18T00:01:00.007+02:00

Il 18 maggio 1911 una forma incurabile di endocardite pose fine alla vita terrena di Gustav Mahler. Nel mio piccolo, cent'anni dopo, mi permetto di celebrarne il ricordo, accomunando le serene note del "Blumine" alle immagini di quel mondo floreale dal quale Mahler trasse ispirazione proprio per quella breve composizione, poi caduta nell'oblio, per volere del suo stesso creatore, intenzionato a spogliare il suo poema sinfonico "Titano" delle implicazioni programmatiche iniziali e di renderlo così più consono al suo destino, quello di divenire il primo contributo di Mahler al genere sinfonico ed a quella profonda rivisitazione e trasformazione che ne sarebbe seguita, tanto da stravolgere il concetto stesso di "sinfonia" sino ad allora tramandato. In tal senso, quell'andante così privo di contrasti e di ironia poco aggiungeva all'appeal della sinfonia e così venne riposto in un cassetto e non avrebbe più fatto ritorno nella produzione dell'autore, neppure sotto forma di citazione. Dall'oblio Blumine riemerse comunque cinquant'anni dopo, in quella stessa epoca (e non a caso) in cui la grandezza di Mahler iniziò a trovare i suoi primi convinti riconoscimenti. Ora che, arrivati a cent'anni dalla sua morte, GM ha davvero convinto tutti, anche Blumine non può più essere considerato un'appendice inutile, quanto piuttosto un impagabile dono postumo che l'autore ha inteso lasciare ai suoi estimatori del futuro, quelli che hanno saputo aspettare che il "suo" tempo venisse.
Buon riposo, Gustl.

Lettera aperta a Valeria, frequentatrice del blog.

2011-04-19T16:22:00.001+02:00

Cara Valeria, sono piacevolmente sorpreso e lusingato dalle parole da te generosamente spese nel commento inserito l’altro giorno su questo blog, a margine della nona “fatica” del compleanno mahleriano da me festeggiato nel luglio scorso. L’immaginare la delusione tua o di qualsiasi altro ignoto lettore del blog, alle prese con la fissità del solito “post” di fine 2010, mi ha obbligato a rivedere certi bui ragionamenti circa il vuoto pneumatico cui ritenevo andassero incontro le mie digressioni popolar-musicali, lanciate nell’ignoto del web alla ricerca di un improbabile pubblico. Te ne rendo merito, facendomi carico di un graduale ritorno all’attività, ora rinfrancato nella fiducia che questo piccolo sforzo possa trovare il gradimento dei frequentatori occasionali e, ancor più, degli ospiti fissi. D’altro canto, è così che si giustificano i blog: con un po’ di partecipazione, niente di più.
A presto (stasera Mahler al Lingotto!),
Stefano.

Buon Anno!!!

2010-12-31T12:42:00.011+01:00

Preso nuovo slancio da un bel pomeriggio musicale trascorso con Roberto Mastrosimone, dedico a lui (ed a tutti coloro che avranno la compiacenza di leggere queste righe) un intrattenimento musicale di fine anno, che trae principale ispirazione dagli spunti emersi nel corso delle chiacchiere amichevoli fatte l'altro giorno.
Restando a temi più seriosi, propongo l'ascolto del primo movimento "Andante comodo" dalla Nona sinfonia in re maggiore di Gustav Mahler, in un'interpretazione che ho trovato estremamente interessante e significativa, specie se rapportata all'esecuzione di Eschenbach cui ci siamo dedicati l'altro giorno. Si tratta di una registrazione "live" risalente al marzo del 1971, uscita solo alcuni anni fa grazie all'iniziativa editoriale della BBC, titolare di un profondissimo archivio di esecuzioni dal vivo, alcune di impressionante livello artistico e per lo più rimaste senza seguito commerciale. Operazione altamente meritoria, tanto più quando porta la testimonianza di un compositore-direttore, praticamente assente dalle sale di registrazione: il "nostro" Bruno Maderna, qui sul podio della BBC Symphony Orchestra. Tempi dilatati, come quelli di Eschenbach, ma supportati da una tensione ed una cura che portano ad un risultato interpretativo che i critici anglosassoni hanno giustamente definito da "hair-rising".

Più frivolo - ed in linea con il clima festaiolo - il secondo spunto; una "Sheherazade" un pochino fuori dal grande giro del jet set discografico ma di ottimo livello, oltre che di eccellente rapporto qualità-prezzo. Dopo due assaggini per me utili a documentare la mia personale predilezione per gli effettacci delle percussioni (non sarà difficile individuare a quale tra questi strumenti mi riferisca in questo caso), propongo l'intero quarto movimento per stimolare un giudizio più consapevole. Lascio ai volenterosi il compito di indovinare gli interpreti...

Non esiste Capodanno che si rispetti senza valzer di Strauss.
E, allora, eccolo:

Vabbè, ora ecco lo Strauss "titolare". Per ricordare un direttore d'orchestra recentemente scomparso, lontano magari dall'apprezzamento del pubblico da "salotti buoni" ma vicino al cuore della gente, ecco di Johann Strauss Figlio il "Kaiser-walzer" nell'interpretazione della Cincinnati Pops Orchestra diretta da Erich Kunzel.

BUON 2011!!!

Mahler - Un compleanno lungo un mese (10)

2010-07-28T22:04:00.003+02:00

Sinfonia n. 10 in fa diesis maggiore (1910)
in cinque tempi per orchestra (incompiuta - ricostruzione di Deryck Cooke)

1. Adagio. Andante
2. Scherzo. Schnelle Vierteln (Alla breve)
3. Purgatorio. Allegretto moderato
4. Scherzo. Allegro pesante. Nicht zu schnell. "Der Teufel tanzt es mit mir"(Non troppo animato - II diavolo lo danza con me).
5. Finale. Einleitung. [Langsam, schwer] (Introduzione. Lento, grave)

Organico (Adagio-Andante): 3 flauti (3 anche ottavino), 3 oboi, 3 clarinetti, 4 corni, 4 trombe, 3 tromboni, basso tuba, arpa, archi
Prima esecuzione parziale: Vienna, Grosser Konzerthaussaal, 14 Ottobre 1924 - I e III tempo

Registrazione del 19.12.2004 - Großer Musikvereinsaal, Vienna
Wiener Philharmonker diretti da Daniel HARDING

Mahler - Un compleanno lungo un mese (9)

2010-07-23T21:14:00.004+02:00

Sinfonia n. 9 in re maggiore (1909)
in quattro tempi per orchestra

1. Andante comodo, Mit Wut, Allegro risoluto, Leidenschaftlich, Tempo I Andante
(Andante comodo, Con rabbia, Allegro risoluto, Appassionato, Tempo I Andante)
2. Im Tempo eines gemachlichen Ländlers, Etwas täppisch und sehr derb
(In tempo di un tranquillo Ländler, un po' goffo e molto rude)
3. Rondò - Burleska, Allegro assai, Sehr trotzig - Adagio
(Rondò - Burleska, Allegro assai, Molto ostinato - Adagio)
4. Adagio

Organico: ottavino, 4 flauti, 3 oboi, corno inglese, clarinetto piccolo, 3 clarinetti, clarinetto basso, 4 fagotti (3 anche controfagotto), 4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, basso tuba, timpani, grancassa, piatti, tamtam, triangolo, campana, glockenspiel, 2 arpe, archi
Prima esecuzione: Vienna, Großer Musikvereinsaal, 26 Giugno 1912

Registrazione del 5.06.2008 - Sala Barbican, Londra
London Symphony Orchestra diretta da Valery GERGIEV

Mahler - Un compleanno lungo un mese (8)

2010-07-21T22:49:00.005+02:00

Sinfonia n. 8 in mi bemolle maggiore "Sinfonia dei Mille" (1906)
in due tempi per 3 soprani, 2 contralti, tenore, baritono e basso solisti, coro di bambini, doppio coro misto e orchestra

Testo: Rabano Mauro, inno "Veni Creator"; Johann Wolfgang von Goethe, "Faust" scena finale della tragedia

Parte I:
1.Inno "Veni creator Spiritu" - Allegro impetuoso

Parte II:
2.Scena finale del Faust di Johann Wolfgang von Goethe - Poco adagio - Più mosso. (Allegro moderato)

Personaggi:

•Magna Peccatrix (soprano)
•Una poenitentium (soprano)
•Mater gloriosa (soprano)
•Mulier Samaritana (contralto)
•Maria Aegyptiaca (contralto)
•Doctor Marianus (tenore)
•Pater ecstaticus (baritono)
•Pater profundus (basso)
•Doppio coro misto
•Coro di fanciulli

Organico: 2 ottavini, 4 flauti, 4 oboi, corno inglese, 2 clarinetti piccoli, 3 clarinetti, clarinetto basso, 4 fagotti, controfagotto, 8 corni, 4 trombe e altre 4 trombe collocate in alto, 4 tromboni e altri 3 tromboni collocati in alto, basso tuba, timpani, grancassa, piatti, tamtam, triangolo, campane, glockenspiel, celesta, armonium, organo, pianoforte, 2 arpe, mandolino, archi
Prima esecuzione: Monaco, Ausstelungshalle, 12 Settembre 1910

Registrazione del 11.08.2002 - Royal Albert Hall, Londra

Christine Brewer, soprano
Soile Isokoski, soprano
Rosemary Joshua, soprano
Birgit Remmert, soprano
Jane Henschel, soprano
Jon Villars, tenor
Peter Mattei, baritone
John Relyea, bass

City of Birmingham Symphony Youth Chorus
Toronto Children’s Chorus
Sydney Philharmonia Chorus
London Symphony Chorus
City of Birmingham Symphony Chorus
National Youth Orchestra of Great Britain diretta da Sir Simon RATTLE

Mahler - Un compleanno lungo un mese (7)

2010-07-20T20:28:00.006+02:00

Sinfonia n. 7 in mi minore (1904-1905)
in cinque tempi per orchestra

1. Langsam (Adagio). Nicht schleppen (Senza trascinare) - Allegro risoluto, ma non troppo
2. Nachtmusik (Musica notturna). Allegro moderato
3. Scherzo. Schattenhaft (Tenebroso) - Trio
4. Nachtmusik (Musica notturna). Andante amoroso
5. Rondo-Finale. Tempo I (Allegro ordinario) - Tempo II (Allegro moderato ma energico)

Organico: 2 ottavini, 4 flauti, 3 oboi, corno inglese, clarinetto piccolo, 3 clarinetti, clarinetto basso, 3 fagotti, controfagotto, corno tenore, 4 corni, 3 trombe, 3 tromboni, basso tuba, timpani, grancassa, piatti, tamtam, triangolo, glockenspiel, campanacci, campana, frusta, 2 arpe, mandolino, chitarra, archi
Prima esecuzione: Praga, Národní Divadlo (Teatro Nazionale), 19 Settembre 1908

Registrazione del 20.06.2007 - Avery Fisher Hall, New York
New York Philharmonic diretta da Lorin MAAZEL

Mahler - Un compleanno lungo un mese (6)

2010-07-19T21:09:00.003+02:00

Sinfonia n. 6 in la minore "Tragica" (1903-1904)
in quattro tempi per orchestra

1. Allegro energico, ma non troppo
2. Scherzo. Wuchtig
3. Andante moderato
4. Finale. Allegro moderato - Allegro energico

Organico: ottavino, 4 flauti (3 e 4 anche ottavino), 4 oboi (3 e 4 anche corno inglese), corno inglese, clarinetto piccolo, 4 clarinetti (4 anche clarinetto basso), 4 fagotti, controfagotto, 8 corni, 6 trombe, 4 tromboni, basso tuba, timpani, glockenspiel, campanacci, tamtam, campane, martello, xilofono, grancassa, piatti, triangolo, tamburo militare, tamburello, frusta, nacchere, celesta, 2 arpe, archi
Prima esecuzione: Essen, Stadttheater (Städtische Bühnen), 27 Maggio 1906

Registrazione del 28.05.2009 - Royal Festival Hall, Londra
Philharmonia Orchestra diretta da Esa-Pekka SALONEN

Mahler - Un compleanno lungo un mese (5)

2010-07-17T00:52:00.002+02:00

Sinfonia n. 5 in do diesis minore (1901-1903)
in cinque tempi per orchestra

Parte I:
1.Trauermarsch. In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt
(Marcia funebre, Con andatura misurata, Severamente, Come un corteo funebre)
2.Stürmisch bewegt. Mit größter Vehemenz
(Tempestosamente mosso, Con la massima veemenza)
Parte II:
3.Scherzo. Kräftig, nicht zu schnell
(Scherzo, Vigoroso, non troppo presto)
Parte III:
4.Adagietto. Sehr langsam
(Adagietto, Molto lento)
5.Rondo-Finale. Allegro. Allegro giocoso. Frisch
(Rondo-Finale, Allegro, Allegro giocoso, Brioso)

Organico: 4 flauti (3 e 4 anche ottavino), 3 oboi (3 anche corno inglese), 3 clarinetti (3 anche clarinetto basso), 2 fagotti, controfagotto, 6 corni, 4 trombe, 3 tromboni, basso tuba, timpani, tamburo, grancassa, piatti, triangolo, nacchere, glockenspiel, tamtam, arpa, archi
Composizione: Maiernigg, 24 Agosto 1902
Prima esecuzione: Colonia, Tonkünstlersaal, 18 Ottobre 1904

Registrazione del 9.11.2002 - Bridgewater Hall, Manchester
BBC Philharmonic Orchestra diretta da Gianandrea NOSEDA

Mahler - Un compleanno lungo un mese (4)

2010-07-16T09:41:00.006+02:00

Sinfonia n. 4 in sol maggiore (1899-1900)
in quattro tempi per orchestra e soprano solo

1. Bedächtig, Nicht eilen, recht gemächlich
(Riflessivo, Non affrettato, Molto comodo)
2. Im gemächlicher Bewegung, Ohne Hast
(Con movimento tranquillo, Senza fretta)
3. Ruhevoll
(Calmo)
4. Sehr behaglich "Das himmlische Leben"
(Molto comodamente "La vita celeste")
per soprano solo da "Des Knaben Wunderhorn"

Organico: soprano, 4 flauti (3 e 4 anche ottavino), 3 oboi (3 anche corno inglese), 3 clarinetti (2 anche clarinetto piccolo e 3 anche clarinetto basso), 3 fagotti (3 anche controfagotto), 4 corni, 3 trombe, timpani, grancassa, piatti, triangolo, tamtam, glockenspiel, sonagliera, arpa, archi
Composizione: Vienna, 5 Agosto 1900
Prima esecuzione: Monaco, Tonhalle, 25 Novembre 1901
Edizione: Doblinger, Vienna, 1902

Registrazione del 27.07.2006 - Royal Albert Hall, Londra
Inger Dam-Jensen, soprano
Bamberger Symphoniker diretti da Jonathan NOTT

Mahler - Un compleanno lungo un mese (3)

2010-07-15T08:51:00.005+02:00

Sinfonia n. 3 in re minore (1895-1896)
in sei tempi per contralto solista, coro femminile, coro di bambini ed orchestra

1. Parte I:
Kräftig.Entschieden
(Con forza, Deciso)
Parte II:
2. Tempo di minuetto: sehr mässig
(Tempo di minuetto: molto moderato)
3. Comodo, Scherzando, Ohne Hast
(Comodo, Scherzando, Senza fretta)
4. Sehr langsam, Misterioso "O Mennsch! gib acht"
(Molto lento, Misterioso "Uomo sta' attento")
assolo di contralto da "Also sprach Zarathustra" di F. Nietzsche
5. Lustig im Tempo und keck im Ausdruck "Es sungen drei Engel"
(Allegramente nel ritmo e vivace nell'espressione "Cantarono tre Angeli")
per contralto, coro femminile e coro di voci bianche da "Des Knaben Wunderhorn"
6. Langsam, Ruhevoll, Empfunden
(Lento, Tranquillo, Sentito)

Organico: contralto, coro femminile, coro di voci bianche, 4 flauti (3 e 4 anche ottavino) 4 oboi (4 anche corno inglese), 3 clarinetti (3 anche clarinetto basso), 2 clarinetti piccoli, 4 fagotti (4 anche controfagotto), 8 corni, 4 trombe, 4 tromboni, bassotuba, timpani, tamburello, tamburo militare, tamtam, grancassa, triangolo, piatti, frusta, 4 campane, 2 glochenspiel, 2 arpe, archi
Composizione: Amburgo, 6 Agosto 1896
Prima esecuzione: Krefeld, Stadttheater (Vereinigte Städtische Bühnen), 9 Giugno 1902

Registrazione del 21.12.2008, Sala Philharmonie, Berlino.
Lioba Braun, contralto - Rundfunkchor Berlin - Tölzer Knabenchor
Berliner Philharmoniker diretti da Zubin MEHTA.

Mahler - Un compleanno lungo un mese (2)

2010-07-11T11:20:00.008+02:00

Sinfonia n. 2 in do minore "Resurrezione"(1888-1894)
in cinque tempi per soprano e contralto soli, coro misto ed orchestra

1. Allegro maestoso. Mit durchaus ernstem und feierlichem Ausdruck
(Allegro maestoso. Con espressione assolutamente seria e solenne)
2. Andante moderato. Sehr gemächlich
(Andante moderato. Molto comodo)
3. In ruhig fließender Bewegung
(Con movimento tranquillo e scorrevole)
4. "Urlicht" (Luce primigenia) - Sehr feierlich, aber schlicht, Choralmässig
(Molto solenne ma con semplicità, come un corale)
testo tratto da "Die Wunderhorn" di Ludwig Achim von Arnim e Clemens Brentano
5. Im Tempo des Scherzo. Wild herausfahrend. Allegro energico. Langsam. Misterioso
(Tempo di Scherzo. Selvaggiamente. Allegro energico. Lento. Misterioso)
contiene l'inno "Die Auferstehung" (La Resurrezione) di Friedrich Klopstock rielaborato da Mahler.

Organico: soprano, contralto, coro misto, 4 flauti (3 e 4 anche ottavino), 4 oboi (3 e 4 anche corno inglese), 3 clarinetti (3 anche clarinetto basso), 2 clarinetti piccoli, 4 fagotti (4 anche controfagotto), 10 corni (dal 7 al 10 anche "in lontananza"), 10 trombe (4 "in lontananza"), 4 tromboni, basso tuba, timpani, grancassa, piatti, triangolo, 2 tam-tam, frusta, Glockenspiel, 3 campane, arpa, archi, organo
Composizione: Amburgo, 25 Luglio 1894
Prima esecuzione: Berlino, Singakademie am Unter den Linden, 13 Dicembre 1895

Registrazione del 21.06.2003, Avery Fisher Hall, New York.

Jessica Jones, soprano
Cornelia Kallisch, mezzo-soprano
New York Choral Artists diretti da Joseph Flummerfelt
New York Philharmonic Orchestra diretta da Lorin MAAZEL

Mahler - Un compleanno lungo un mese (1)

2010-07-02T13:51:00.006+02:00

Il 7 luglio prossimo ricorrerà il centocinquantesimo anniversario della nascita di Gustav Mahler. Un "impallinato" come me non poteva certo farsi sfuggire un pretesto così planetario e, quindi, non inondare di note mahleriane amici e frequentatori occasionali del blog. Alla fine, non sapendomi decidere su quale fosse l'omaggio più appropriato, ho salomonicamente deciso di proporre all'ascolto tutte le dieci sinfonie, pescandole dall'archivio di registrazioni radiofoniche "live" in mio possesso, limitando il raggio di retrospettiva all'ultimo decennio. Insomma, sarà un'integrale del nuovo millennio, pescata qui e là, dove Mahler è di casa. I criteri di scelta hanno dovuto privilegiare anche l'aspetto tecnico, per rendere omogeneo il materiale proposto e non deprimere l'ascoltatore con ronzii o pessime riprese del suono. Nove saranno i direttori artefici delle interpretazioni proposte (lo so, i conti non tornano, ma uno di loro farà doppia fatica...). Vista l'abbondanza di materiale, lo diluirò nell'intero mese di luglio, sperando - come sempre - di fare cosa gradita ai più.
Si parte con la Prima Sinfonia, nella classica versione in quattro movimenti e senza il contributo del movimento stralciato dall'autore, Blumine.
Buon ascolto e buon mese mahleriano.

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Sinfonia n. 1 in re maggiore
in quattro tempi per orchestra (versione definitiva)

1.Langsam, Schleppend, Wie ein Naturlaut; im Aanfag sehr gemächlich; belebtes Zeitmass
(Lentamente, trascinato, come un suono della natura; all'inizio molto tranquillo; tempo animato)
2.Kräftig, bewegt, doch nicht zu schnell; Trio, Recht gemächlich
(Vigorosamente mosso, ma non troppo presto; Trio, Molto tranquillo)
3.Feierlich und gemessen, ohne zu schleppen
(Solenne e misurato senza trascinare)
4.Stürmisch bewegt. Energisch
(Tempestosamente agitato)

Organico: 2 ottavini, 4 flauti, 4 oboi, corno inglese, 2 clarinetti, clarinetto piccolo, clarinetto basso, 3 fagotti, controfagotto; 7 corni, 4 trombe, 3 tromboni, basso tuba, timpani, grancassa, piatti, triangolo, tam-tam, arpa, archi.
Composizione: Vienna, 16 Agosto 1893
Prima esecuzione: Amburgo, Stadttheather, 27 Ottobre 1893
Edizione: Verlag Weinberger, Vienna, 1899
Rispetto alla prima versione Mahler ha eliminato il secondo tempo "Blumine" ed i titoli delle singole parti

Registrazione del 12.05.2007 dalla sala Philharmonie di Berlino;
Berliner Philharmoniker diretti da Mariss JANSONS

Sinfonisti da riscoprire - Eduard Tubin (1905-1982)

2010-06-21T12:02:00.006+02:00

Eduard Tubin nacque il 18 giugno 1905 nella città estone di Torila, all'epoca amministrata dal Governatorato russo di Riga. Proveniente da una famiglia di musicisti dilettanti, mostrò ben presto il proprio talento, padroneggiando la tecnica di pianoforte e violino. Poco dopo la proclamazione d'indipendenza dell'Estonia, egli avviò i propri studi musicali a Tartu, sviluppando il proprio interesse per la composizione e la direzione d'orchestra; negli anni trenta iniziarono così anche le esibizioni all'estero, ove ebbe modo di stringere amicizia con Zoltán Kodály, che lo incoraggiò a coltivare il proprio interesse verso la musica di origine popolare. Quando l'Unione Sovietica invase l'Estonia nel 1944, Tubin fuggì a Stoccolma, dove si stabilì e visse per il resto della sua vita, fino alla sua scomparsa avvenuta nel 1982.
Quel poco di fama internazionale - perlopiù postuma - che Tubin ha saputo ritagliarsi la si deve principalmente all'opera di dffusione operata prima dal suo connazionale Neeme Järvi ed ora anche dai due figli di quest'ultimo, Kristjan e Paavo, consapevoli della cifra di Tubin quale compositore e sinfonista. Nelle sue dieci sinfonie (della sua undicesima è rimasto solo il primo movimento), Tubin predilisse la struttura in tre movimenti (solo Quarta ed Ottava ne hanno quattro, la Decima uno solo) ed il linguaggio tonale, anche se sviluppato in maniera moderna e "contaminato" da echi popolari. L'organico strumentale non è particolamente generoso, ma viene spesso sfruttato al massimo delle possibilità dinamiche; in particolare, i fans degli ottoni e delle percussioni vi troveranno sontuosi spunti di interesse. Così come nelle pagine di Tubin non sarà arduo incontrare squarci di lirica bellezza, spesso affidati al canto del violino solista, suo primo amore in campo musicale. La sinfonia proposta in ascolto è la Quinta, scritta nel 1946; quantunque lo stile compositivo di Tubin sia più spesso accostato a quello di Sibelius, in questa sinfonia la pulsione ritmica e le soluzioni "scenografiche" (due serie di timpani disposte agli estremi della formazione orchestrale) rimandano ad esperienze nielseniane.
La Quinta Sinfonia in si minore è divisa in tre movimenti:
1. Allegro Energico
2. Andante
3. Allegro Assai
La registrazione dal vivo risale ad un concerto tenutosi a Monaco di Baviera il 20.2.2008; Mariss Jansons dirige la Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Sinfonisti da riscoprire - Edmund Rubbra (1901-1986)

2010-06-06T10:57:00.007+02:00

Edmund Rubbra nacque a Northampton, cittadina distante un centinaio di chilometri da Londra, il 23 maggio 1901. Per un curioso destino, in quella piccola città ebbero i propri natali Malcolm Arnold e William Alwyn, altri due illustri sinfonisti coevi di Rubbra. Sostenitore precoce della musica di Gustav Holst e Cyril Scott, Rubbra prese a studiare privatamente con quest'ultimo, proseguendo quindi gli studi all'Università di Reading sotto la guida di Morris e Holst. Nella propria carriera di compositore, Rubbra fu estremamente prolifico: quattro quartetti per archi, opere da camera varie, molte canzoni e pezzi per pianoforte, musica sacra, ouvertures diverse, tre concerti (uno ciascuno per violino, viola e pianoforte) e ben undici sinfonie. Morì quasi ottantacinquenne a Gerrard's Cross, il 14 febbraio 1986.
Il suo stile compositivo si ispirava ad un tipo di musicalità che, a causa del suo aspetto tradizionale, se non ordinario, potrebbe passare inosservato. Non si è dato alla ricerca di nuove sonorità, non ha esteso le frontiere della fonetica in larghezza, quanto piuttosto ha teso a sfruttare quelle già esistenti in modo più approfondito. Ha lavorato, in generale, all'interno delle tradizioni stabilite, creando un proprio linguaggio, la cui complessità - pur nel rigido ambito della tonalità - ne costituisce il limite, ma anche il fascino. Insomma, un musicista ostico, che tarda a disvelare i tesori delle proprie opere e richiede anche all'ascoltatore un lavoro di profondità.
Inutile dire che con questo background Rubbra, seppur tenuto in alta considerazione in patria, anche da colleghi illustri (primo fra tutti Ralph Vaughan Williams), ha faticato a raggiungere il favore del grande pubblico. Il compianto Richard Hickox resta tuttora l'unico direttore d'orchestra ad aver portato a termine un'edizione integrale discografica delle sinfonie del nostro; l'ascolto "campione" che propongo è però affidato ad un altro instancabile promotore delle musiche britanniche: Vernon Handley. Si tratta di una registrazione del 1978 in cui Handley, a capo della New Philharmonia Orchestra, propone la Seconda Sinfonia op. 45 (1940), articolata nei movimenti:
I Lento rubato;
II Scherzo: Vivace assai;
III Adagio tranquillo;
IV Rondo: Allegretto amabile - Coda: Presto.

Sinfonisti da riscoprire - Joly Braga Santos (1924-1988)

2010-05-31T20:23:00.013+02:00

Joly Braga Santos nacque a Lisbona nel 1924 e vi morì nel 1988, al culmine della sua creatività musicale. Dopo aver studiato violino e composizione presso il Conservatorio Nazionale di Lisbona, divenne un allievo di Luís de Freitas Branco (1890-1955), il più importante compositore portoghese della generazione precedente.
Terminata la Seconda Guerra Mondiale, si recò all'estero, per dedicarsi allo studio della direzione d'orchestra con Hermann Sherchen e Antonino Votto, nonchè composizione con Virgilio Mortari. Seppur proveniente da un'area geografica e da una cultura, quella latina, poco propensa a privilegiare il genere sinfonico, le sue innate doti di orchestratore lo spinsero proprio in quella direzione, ove seppe dare sfogo in maniera più convincente al suo linguaggio musicale, basato su una architettura musicale forte e drammatica, guidata da un istinto naturale per lo sviluppo strutturale, senza disdegnare lunghe frasi melodiche di più squisita fattura "mediterranea". Nelle sue prime opere, il compositore mise in mostra una tendenza modale, motivata dal desiderio di stabilire una connessione tra musica contemporanea e l'età d'oro della musica portoghese: il Rinascimento. Le prime quattro sinfonie, che si susseguirono molto rapidamente (in un arco di tempo compreso tra i 22 e i 27 anni d'età), incontrarono immediato successo. Altre opere di questo periodo sono il Concerto per archi, Variazioni su un tema Alentejo, e tre Overtures sinfoniche.
Seguendo da vicino le opere di compositori del dopoguerra europeo, il suo stile divenne, dal 1960 in poi, più cromatico e di forma meno tradizionale. A questo periodo appartengono i Tre Schizzi Sinfonici, la Sinfonietta, il Requiem e le sue due ultime sinfonie, la 5 e la 6.
Joly Braga Santos ha anche scritto tre opere liriche, musica da camera per una vasta gamma di strumenti e ensemble, colonne sonore, e molte opere corali su poesie di grandi poeti portoghesi classici e moderni e spagnoli come Camões, Antero de Quental, Teixeira de Pascoaes , Fernando Pessoa, Garcilaso de la Vega, Antonio Machado e Rosalia de Castro.
La maggior parte delle sue opere sono state registrate, a partire dagli anni Settanta, dall'etichetta portoghese Strauss SP; più recentemente, la Naxos, sotto l'etichetta Marco Polo, ha tributato a Braga Santos un omaggio più organico, includendovi tutte le sinfonie ed alcune delle sue migliori opere orchestrali, affidate alla direzione di Alvaro Cassuto, conterraneo dell'autore e grande fautore delle sue musiche.
Per dare un'idea più organica del suo stile compositivo, vi propongo l'ascolto integrale della Seconda sinfonia in si minore, scritta nel 1947 ed articolata in quattro movimenti:
I. Largo - Allegro energico ed appassionato;
II. Adagio non troppo;
III. Allegretto pastorale;
IV. Lento, Allegro, Epilogo (Lento).
Nel 2001, all'uscita della presente registrazione in cd, David Hurwitz si espresse in questi termini:

"Joly Braga Santos' Second Symphony, at 48 minutes, has all of the urgency and ambition of a young man's enthusiastic revelry in writing for a really large orchestra. The composer was all of 23 when he wrote it, and early or not, the piece sustains its length with little apparent effort. As usual in the first four symphonies, the influences of Vaughan Williams and Respighi aren't too far away, but that's all they are. There's no mistaking a tremendous individual talent at work here. Just listen to the gorgeous slow movement--melodically distinctive and magnificently scored (the evocative coda features a mysterious timpani duet under ethereal strings). Even the finale, a highly sectional amalgam of slow introduction, allegro, fugue, and slow epilogue leading to a grandiose conclusion, hangs together remarkably well, borne on the wings of the composer's unflagging inspiration."

La Bournemouth Symphony Orchestra è diretta da Alvaro Cassuto.

Non farei però del tutto il mio dovere se chiudessi quest'intervento dedicato a Braga Santos senza proporvi l'ascolto del quarto movimento (Lento) della sua Quarta sinfonia (1950), che tanto mi colpì sin dal primo approccio per la sua freschezza e la sua forza positiva, anche un po' naïf, ma di sicuro impatto. Nella versione qui proposta, Cassuto rinuncia all'apporto del coro ad libitum, previsto dall'autore nella versione alternativa, chiusa da un "inno alla giovinezza" che sfrutta la solenne dolcezza del tema con cui si chiude la sinfonia. Cassuto con la National Symphony Orchestra of Ireland rende comunque piena giustizia alla composizione, pur senza "effetti speciali".

Mahleriadi - In vetrina - Sinfonia n. 1 - M. Honeck

2010-04-26T11:46:00.000+02:00

Giunto il biennio di celebrazioni mahleriane, è puntualmente scattata l'invasione planetaria di iniziative musical-cultural-commerciali dedicate all'evento. Ad onor del vero, l'invasione di cui sopra risulta in corso ormai da due o tre decenni, con un crescendo continuo, favorito nell'ultimo scorcio anche dal moltiplicarsi di etichette cosiddette indipendenti e dalla "discesa in campo" di orchestre di chiara fama internazionale, che producono in proprio ed a costi contenuti i cd "live" dei loro concerti. Le più attive tra queste (mi vengono in mente la Chicago Symphony, l'olandese Concertgebouw, la New York Philharmonic e la London Symphony) si sono prontamente attrezzate per l'evento, mettendo in cantiere altrettante integrali da consegnare ai posteri. Ciò detto, non è che manchino comunque "omaggi" al Nostro legati al buon vecchio filone commerciale; la Pittsburgh Symphony, ad esempio, essendo piuttosto distante dalla fama delle orchestre sopra accennate, si è dovuta cercare un contratto "vecchia maniera", ora offertole dalla casa giapponese Exton, la cui produzione si è sin qui distinta per la particolare difficoltà di reperimento (ora è finalmente approdata alle vendite via Amazon) e per la spiccata predilezione per il repertorio mahleriano. Sarà dunque Exton a distribuire l'integrale attualmente in costruzione in quel di Pittsburgh, la cui conduzione risulta affidata all'attuale direttore principale dell'orchestra, l'austriaco Manfred Honeck. Questi, già violino di fila nei Wiener Philharmoniker negli anni in cui il fratello Rainer ne era invece il Konzertmeister, ha visto decollare la propria carriera direttoriale alla soglia della cinquantina; l'incarico a Pittsburgh, recentemente prorogato fino al 2015, documenta l'affiatamento maturato con orchestra e pubblico di laggiù. Terminato l'ascolto della Prima, si può senz'altro benedire la decisione presa dalle parti. Sin dal suo esordio, la direzione di Honeck appare attentissima a valorizzare la ricchezza della partitura, portando a galla particolari raffinati, di rara bellezza ed efficacia, il tutto senza perdere d'occhio struttura ed unitarietà del "racconto" musicale, sempre vivo e vitale. Esemplare in tal senso il secondo movimento, con quell'accenno di "accelerando" iniziale che dà ancora più slancio rustico alla danza paesana che caratterizza lo Scherzo; e che dire della magia del Trio, tanto più sognante in contrasto con la ruvida energia degli episodi che lo precedono e lo seguono. E quando il gioco si fa duro (leggasi quarto movimento, Stürmisch bewegt), orchestra e direttore non deludono, accompagnando la sinfonia alla sua sfolgorante conclusione senza concedersi fronzoli o cadute di tensione.
Insomma, una Prima di Mahler con i controfiocchi, di quelle che ti fanno concludere che la storia dell'interpretazione è ancora tutta da scrivere e che anche gli "outsiders" ne faranno sicuramente parte.

Sergei Prokofiev - Ivan the Terrible: Concert Scenario

2010-04-03T12:49:00.009+02:00

Sergej Mikhailovich Eisenstein (1898-1948), artista ed intellettuale poliedrico e testimone diretto della rivoluzione bolscevica del 1917, si rivolse nel 1938 una prima volta a Sergej Prokofiev per chiedergli di comporre la musica per il suo film Alexander Nevskij. Quel primo incontro professionale diede risultati così elevati che Eisenstein non potè fare a meno di ricorrere nuovamente a Prokofiev per la composizione del commento musicale alla sua opera più ambiziosa: Ivan il Terribile, il monumentale film con cui avrebbe celebrato l'epopea del primo zar di tutte le Russie, vissuto nel XVI secolo. "Ivan il Terribile" è un lavoro gigantesco, che dipinge una Russia antica, ma che lancia bagliori sinistri verso quella di Stalin. Malauguratamente il personaggio di Ivan il Terribile raccontato nel film assomiglia un po' troppo a Stalin, al punto che questi bloccò l'uscita della seconda parte del film, peraltro concepito e girato per essere un'opera unitaria, impedendo così di fatto che venisse portato a termine il progetto originario del regista, che aveva in animo di dirigere una terza parte dedicata alle vittorie della maturità di Ivan. Fu così che, benchè il lavoro fosse già stato terminato nel 1946, si dovette attendere il 1958 - vale a dire cinque anni dopo la morte dello stesso Stalin e di Prokofiev e dieci da quella di Eisenstein - per vedere l'intera opera rappresentata.
Eisenstein aveva molti buoni motivi per rivolgersi a Prokofiev per le sue colonne sonore: la sua vastissima esperienza - dalla musica sinfonica e pianistica a quella da camera, dallopera lirica al balletto - aveva affinato in lui le due qualità, opposte solo in apparenza, indispensabili per scrivere musica da film: estrema flessibilità nell'adattarsi alle situazioni espressive e ferrea disciplina nel rispettare il ritmo delle successioni delle immagini. Per le musiche dell' Alexander Nevskij inoltre aveva avuto modo di sperimentare una tecnica compositiva rivelatasi assai confacente allo scopo, che consisteva nel creare tre blocchi di materiali, da utilizzare per le diverse esigenze filmiche. Nel primo blocco rientrava il materiale musicalmente più ambizioso, materiale cui si sarebbe dovuta adattare la sceneggiatura, nell'intento di esaltare al massimo le potenzialità del commento sonoro; nel secondo blocco, musica e sceneggiatura si scambiavano ruoli e preminenza, per cui era la musica ad essere scritta a misura della scena già girata; infine, nel terzo blocco rientrava lo spezzatino di piccoli réfrains e leit-motiv che di quando in quando sarebbero rimbalzati nel tessuto sonoro del film, secondo le esigenze del suo regista.
Come già per l'Alexander Nevskij, la geniale coppia diede piena prova della rispettiva maestrìa, realizzando un'opera che ancora oggi non ha eguali in questa specialissima graduatoria combinata (soprattutto a causa dell'obiettiva mancanza di musici cineasti avvicinabili all'altezza del genio di Prokofiev).
Purtroppo di quelle musiche Prokofiev non ebbe tempo e modo di curare suites da concerto o adattamenti comunque funzionali alla loro rappresentazione autonoma. Per poter ascoltare la musica in concerto si dovette attendere il 1961, quando Abram Stasevich (1907-1974) ne fece un oratorio. Per rappresentare in maniera esaustiva la complessa trama del trama del film d'origine, Stasevich enucleò dalla partitura originaria ventisei quadri, collegandoli tra loro con parti affidate ad una voce recitante, cui spettava il compito di narrare i cambi di scena sulla scorta di testi scritti dallo stesso Eisenstein. Il gigantesco polittico che ne derivò, pur complessivamente apprezzabile, risulta non sempre di scorrevole lettura, affaticato dagli interventi del recitante e da pezzi derivanti dalla tradizione liturgica ortodossa, musicalmente di interesse inferiore. Fu così che nel 1990 il musicologo inglese Christopher Palmer curò una riedizione del lavoro di Prokofiev, più agile e priva del commento della voce recitante. I tredici pezzi in cui è articolata questa versione da concerto sono stati scelti ed organizzati con criteri evidentemente meno esaustivi riguardo alla trama del film di provenienza, ma rispettandone struttura e successione temporale. Le forze cui è stata affidata la prima incisione di questa nuova versione, di seguito proposta, sono le stesse che ne hanno patrocinato la prima esecuzione assoluta, avvenuta a Londra il 28 febbraio 1991: Linda Finnie è il contralto, Nikita Storojev il basso-baritono; Philharmonia Chorus e Philharmonia Orchestra sono affidate alle cure di Neeme Järvi.

1 Overture - Ouvertüre; Ouverture

2 Il mare russo - Russian Sea - Russisches Meer - La mer russe;
3 Le nozze - Wedding - Die Hochzeit; Noces:
i) Allegro fastoso
ii) Andante
iii) Allegro fastoso

4 L'incendio - Fire - Das Feuer - L'incendie;
5 Tartari e cannonieri - Tartars and Canoneers - Die Tataren und die Kanoniere- Tartares et canonniers:
i) Allegro moderato;
ii) Moderato energico;

6 La presa di Kazan - The Storming of Kazan - Die Erstürmung von Kasan - A l'assaut de Kazan

Le scene proposte sono evidentemente tratte dal film d'origine, adattate alla versione da concerto delle musiche che nella pellicola accompagnano la lunga sequenza dell'assedio e la caduta della città di Kazan, capitale dell'omonimo khanato islamico, conquistata nell'agosto del 1552 dalle truppe guidate dallo zar Ivan. Da tale successo uscì fortificata la fama di Ivan quale unificatore del popolo russo e difensore del credo cristiano.

7 La malattia di Ivan - Ivan's Sickness - Iwan auf dem Krankenbett - La maladie d'Ivan
i) Adagio;
ii) Andante sostenuto;

8 Alla Corte polacca - At the Polish Court - Am polnischen Hof - La cour de Pologne;
9 Anastasia;

10 La canzone del castoro - Song of the Beaver (Ephrosynia's Lullaby) - Lied des Bibers (Ephrosynias Wiegenlied) - La chanson du castor (Berceuse d'Ephrosynia);
11 Il banchetto - The banquet - Das Festessen - Le banquet: i) Allegro ben ritmato, feroce; ii) Allegro moderato; iii) Allegro ben ritmato.

Le "istantanee" proposte si riferiscono anche in questo caso alle sequenze commentate dalle musiche qui proposte nella versione da concerto. Nella sequenza in bianco e nero, gli attori Serafina Birman e Pavel Kadochnikov impersonano rispettivamente Efrosinia Staritskaya e suo figlio Vladimir, che i nobili boiardi vorrebbero come zar, vista la sua inettitudine che ne agevolerebbe la manovrabilità da parte di questi ultimi. Efrosinia, zia di Ivan, canta una ninna nanna al proprio figliolo, invero cresciutello, in cui si narra delle peripezie del cacciatore per accapararsi la pelle del castoro, metafora dietro la quale neppure tanto nascostamente viene fatta intravvedere a Vladimir la necessità di ricercare in un'azione di forza la soluzione alle proprie ambizioni di potere. La sequenza successiva, popolata di danze e canti sfrenati, si rifà al banchetto indetto da Ivan, che - subodorato il tradimento - fa ubriacare il cugino Vladimir fino a farlo confessare i propri propositi complottistici. Questi, in preda ad una trance indotta dall'alcool e dall'eccezionale carisma soggiogante di Ivan, lascia che gli vengano indossate le vesti regali e si appresta a divenire vittima sacrificale della vendetta dello zar. Strepitosa la presenza scenica ed il magnetismo del protagonista, l'attore Nicolaj Cerkasov.

12 Assassinio nella Cattedrale - Murder in the Cathedral - Mord in der Kathedrale - Le meurtre dans la cathédrale.

Ecco una significativa aggiunta di Palmer alla partitura ricavata da Stasevich che, piuttosto inspiegabilmente, non ha ritenuto di includere nella propria selezione il commento musicale con cui Prokofiev ha tradotto in suoni l'inquietudine di Vladimir e la drammatica conclusione del suo maldestro "golpe". Il tema della nenia del castoro viene qui ripreso e sviluppato dal coro a bocca chiusa con un crescendo inquietante, di sicuro effetto cinematografico, il cui culmine coincide con la discesa del colpo mortale, con cui il sicario - ignaro dello scambio di persona - toglie la vita al cospiratore. Ho ripreso la sequenza originale (anche questa, come la scena del banchetto che la precede, girata sulla pellicola a colori proveniente dal bottino di guerra sequestrato ai nazisti), che potrete comunque rivedere ed "ascoltare" nei suoi suoni originali al link http://www.youtube.com/watch?v=ALbxsm27ojw

13 Finale (Coda).

Senza parole (ancora)

2010-01-28T20:31:00.003+01:00

Felice 2010!!!

2009-12-31T15:01:00.017+01:00

E' arrivato al capolinea anche il 2009, anno che difficilmente rimarrà nella memoria come il migliore della decade che si conclude stasera. Il 2010 sarà l'anno della svolta per la nostra esangue economia? Non possiamo che augurarcelo tutti insieme. Nel frattempo, l'anno nuovo che viene non può non essere celebrato musicalmente; in attesa dell'appuntamento "cult" viennese, mi sono preso il gusto di mettere insieme alcune proposte "festaiole" che possano dare un respiro più internazionale alla celebrazione dell'"anno che verrà". Aprirei quindi, doverosamente, con un'ouverture, quella scritta nel 1956 da Leonard Bernstein per la sua operetta "Candide". Eiji Oue, allievo di Bernstein, dirige la Filarmonica di Osaka, ad accomunare idealmente gli estremi di Oriente ed Occidente, i primi e gli ultimi a festeggiare l'Anno che viene.

Ed ora qualche "jokes" da primo dell'Anno. Festosa ed inusuale è sicuramente la "Grand, Grand Ouverture" del britannico Malcolm Arnold, anch'essa datata 1956. Nell'organico orchestrale vengono annoverate tre aspirapolvere, una lavapavimenti e quattro fucili, dediti - questi ultimi - ad eliminare i suonatori dei primi, con intuibile effetto comico per il pubblico, peraltro ben testimoniato dalla registrazione qui proposta, tratta dalla Last Night of the Proms 2009. David Robertson dirige la BBC Symphony Orchestra; "solisti" d'eccezione Jiří Bělohlávek, Goldie, Jennifer Pike alle aspirapolvere e sir David Attenborough alla lavapavimenti.

Più elegante, ma di facile presa è il Valzer composto da Dmitri Shostakovich, inserito nella sua Suite per orchestra da varietà (per lungo tempo conosciuta come Seconda suite jazz), composta in epoca non ben identificata, ma comunque posteriore al 1956. Kubrick fece di questo pezzo l'asse portante della colonna sonora del suo ultimo film, "Eyes wide shut", conferendogli una notorietà sino ad allora sconosciuta. Marin Alsop dirige l'orchestra del Concertgebouw di Amsterdam.

Dall'est europeo, arriva anche la prossima proposta. Simon Rattle dirige la Berliner Philharmoniker nella Rapsodia rumena n. 1, op. 11 di George Enescu, datata 1901.

In rappresentanza dell'America latina, ecco il Danzon n. 2 del messicano Arturo Márquez, classe 1950. Gustavo Dudamel dirige l'Orchestra Giovanile Venezuelana Simon Bolivar.

Per chiudere, un giusto tributo alla tradizione, che mi porta a proporre un brano d'archivio dell'unico ed inimitabile Neujahrkonzert, nella sua edizione 2006, anno in cui sul podio dei Wiener Philharmoniker si esibì Mariss Jansons. Si tratta della Kunstler-Quadrille, scritta da Johann Strauss Jr. in evidente omaggio ai padri della musica. Riconoscibilissimi brani composti da Mozart, Weber, Beethoven, Paganini, Mendelssohn e via discorrendo. Buon ascolto, e che vi giunga il mio personale augurio di un fulgido 2010.

Tanti auguri di sereno Natale.

2009-12-24T10:42:00.007+01:00

Negli ultimi tempi ho trascurato il blog più del dovuto e faccio ammenda, fiducioso di poter riprendere al più presto il discorso in maniera più continuativa.
Non potevo comunque ignorare l'opportunità datami dal Natale per inviare una cartolina musicale a tutti coloro che ancora si prendono la briga di curiosare in queste pagine.
Fedele ai miei princìpi, eccomi quindi a proporvi una composizione poco conosciuta di un autore ancora troppo poco conosciuto: si tratta della fantasia sinfonica "Die Natali, op. 37" (non è tedesco, è latino...); commissionata a Samuel Barber dalla Koussevitzky Music Foundation e dedicata alla memoria di Sergei e Natalie Koussevitsky, ebbe la sua première in Boston sotto la direzione di Charles Munch il 23 dicembre 1960. Sono i Christmas carols a farla da padrone e gli esperti di tale genere non si faranno sfuggire le citazioni, letterali o variate, dei carols "O come, O come, Emmanuel" "Lo, how a rose e'er blooming", "God rest you merry, gentlemen", "Good King Wenceslas", oltre ai più noti "Silent Night", "Adeste fideles" e "Joy to the world" con cui si conclude in gloria la composizione.
Marin Alsop dirige la Royal Scottish National Orchestra.

Più intima la gioia evocata dalla nascita del Bambino e celebrata da Ottorino Respighi ne "L'adorazione dei Magi", secondo "quadro" del Trittico Botticelliano, composto nel 1927. Qui non siamo di fronte ad un pout-pourri natalizio, ma ad una composizione originale, nelle cui battute conclusive però Respighi, nell'intento di descrivere la devozione dei Magi per il Bambino, non ha resistito alla tentazione di far ricorso ad una citazione "in punta di piedi" del celeberrimo "Tu scendi dalle stelle", composto nel 1755 da Alfonso Maria de' Liguori ed entrato nella tradizione popolare, dove permane a pieno diritto.

Ancora, auguri di felice Natale.

Testo e musica - Tagore, Zemlinsky

2009-10-10T12:50:00.005+02:00

"Una meravigliosa trasfigurazione musicale dell'amore in tutte le sue forme. Un amore che cambia forma e colore come una nuvola nella bocca del vento, al tramonto. Ecco cos'è innanzitutto la "Sinfonia Lirica" di Alexander Zemlinsky. Un immenso affresco di note e di colori orchestrali, di misticismo, di tensione emotiva e di sognante abbandono. Un mondo dove il canto e la musica si fondono in perfetta comunione, come la voluttà di due corpi che si spogliano o di due anime che si ascoltano rispecchiandosi l'una nell'altra. Un bellissimo ciclo di lieder orchestrali per soprano, baritono ed orchestra, con i testi colmi di lirismo e sensualità del grande poeta Rabindranath Tagore.

"Ich bin friedlos", sono irrequieto. È con queste parole che la sinfonia spalanca il suo sipario ai paesaggi più reconditi dell'anima e del desiderio. Il baritono intona il suo impulso alla trascendenza in un canto colmo di tensione come un orizzonte carico di nubi. Tensione che si sublima in tinte orchestrali feroci, in un incessante turbinio emotivo e musicale, coi colori cupi e sfavillanti di timpani, violini ed ottoni e le note taglienti di un flauto che richiama quella "sete di cose lontane" che mai nessuna vicinanza potrà sanare. La tensione emotiva si stempera in una maliziosa innocenza nel secondo brano "Mutter, der junge Prinz", dove il soprano celebra in modo etereo e sognante la sua ansia d'amore per il giovane principe, che passerà col suo cocchio sotto le finestre della giovane donna. Un canto a tratti estatico e sensuale, a tratti ironico e disincantato, ma che cresce improvvisamente in un "fortissimo" orchestrale spaventoso. Qualcosa che irrompe dentro e che non si può più trattenere. È come se si rompessero le dighe dell'anima e le parole dei cantanti si spegnessero nel silenzio di un bacio, con l'orchestra a rovesciare rabbiosamente ondate di suoni a coprire la sensualità di questo silenzio.

L'atmosfera trasfigura ulteriormente in "Du bist die Abendwolke", dove il paesaggio musicale si stempera in toni mistici e profumati come l'incenso, dove l'erotismo è dipinto dal timbro sensuale del corno inglese, mentre il baritono intona appassionato: Tu sei la nube della sera che vaga nel cielo dei miei sogni. Un lied erotico e cullante, opulentemente raffinato come un giardino traboccante di palme, di felci, di ninfee, di fior di loto. Un canto coi colori intensi di un tramonto, che prelude al clima notturno del quarto lied del ciclo, "Sprich zu mir, Geliebter". L'atmosfera è qui rarefatta, spettrale a tratti, con il violino a fare da alter-ego al soprano in un sensuale dialogo con se stessi, prima ancora che con l'altro. "Parlami, amore mio", e l'invocazione tremante del soprano sale al cielo quasi come una preghiera, una supplica, per poi spegnersi amaramente nel finale: Il giorno verrà e ci guardaremo negli occhi, prima che ognuno segua il suo cammino. Alla quiete estatica di questo lied, si contrappone fortemente "Befrei' mich von den Banden", dove su un tappeto di timpani e trombe, il baritono proclama Liberami dai lacci della tua dolcezza, e lascia che io ti possa offrire il mio cuore di uomo reso libero. Il canto più breve, rabbioso, violento, come un vortice che trascina verso l'abisso della fine dell'amore. Ed è così, nel sesto brano, "Vollende denn das letzte Lied", la risposta del soprano è gelida, e la musica affonda come la passione verso quegli abissi dove non c'è più nessuna luce a riscaldarti.

La sinfonia si chiude in una atmosfera di serena accettazione, ma non priva di brividi di sensualità, con "Friede, mein Herz". E' come se, dopo una tale tempesta di emozioni, il cielo dell'anima si spalancasse su colori celesti, e raggi di luce filtrassero tra nubi che si inseguono veloci come ricordi sul filo del pensiero. Lascia che l'amore si fonda con la memoria e il dolore divenga canto. E il ricordo e l'amore a perpetuarsi in una lunga e vibrante coda orchestrale, senza più parole."

Fonte: JohnofPatmos http://www.debaser.it/recensionidb/ID_6255/Alexander_von_Zemlinsky_Lyrische_Symphonie.htm

Ich bin friedlos, ich bin durstig nach fernen Dingen.
Meine Seele schweift in Sehnsucht,
Den Saum der dunklen Weite zu berühren.
O großes Jenseits, o ungestürmes Rufen Deiner Flöte.
Ich vergesse, ich vergesse immer,
Daß ich keine Schwingen zum Fliegen habe,
Daß ich an dieses Stück Erde gefesselt bin
Für alle Zeit.

Ich bin voll Verlangen und wachsam,
Ich bin ein Fremder im fremden Land;
Dein Odem kommt zu mir
Und raunt mir unmögliche Hoffnungen zu.
Deine Sprache klingt meinem Herzen vertraut
Wie seine eig'ne.
O Ziel in Fernen, o ungestümes Rufen deiner Flöte.
Ich vergesse immer, ich vergesse,
Daß ich nicht den Weg weiß,
Daß ich das beschwingte Roß nicht habe.

Ich bin ruhlos, ich bin ein Wanderer in meinem Herzen.
Im sonnigen Nebel der zögernden Stunden
Welch gewaltiges Gesicht von dir wird gestaltet
In der Bläue des Himmels.
O fernstes Ende, o ungestümes Rufen deiner Flöte.
Ich vergesse, ich vergesse immer,
Daß die Türen überall verschlossen sind in dem Hause,
Wo ich einsam wohne, o fernstes Ende,
O ungestümes Rufen deiner Flöte.

Non ho pace, sono assetato di cose lontane.
La mia anima si trascina nel desiderio
di toccare il limite della vastità oscura.
O immenso al di là, come è forte il richiamo del tuo flauto!
Io dimentico, dimentico sempre,
che mi mancano le ali per volare,
che a questo pezzo di terra sono incatenato
per sempre.

Sono pieno di desiderio e vigilo attento,
Straniero in terra straniera;
mi giunge il tuo respiro
e mi sussurra speranze irrealizzabili.
La tua lingua suona familiare al mio cuore
come la sua stessa lingua.
O meta lontana, come è forte il richiamo del tuo flauto!
Io dimentico, dimentico sempre,
che non conosco la via,
che non possiedo un alato destriero.

Sono inquieto, sono un viandante nel mio cuore.
Nella nebbia assolata delle ore morte
Che possente visione di te prende forma
Nell'azzurro del cielo.
O lontanissima fine, come è forte il richiamo del tuo flauto!
Io dimentico, dimentico sempre,
che le porte sono tutte serrate nella casa,
dove vivo in solitudine,
O lontanissima fine, come è forte il richiamo del tuo flauto!

Traduzione: Ferdinando Albeggiani

Testo e musica - Manfred (Byron, Schumann, Tchaikovsky)

2009-10-05T19:47:00.007+02:00

Ecco, si spegne il lume. Nuovamente

m'è forza rianimarlo, anche se certo

morrà di nuovo prima del mio tempo

d'insonnia... Il sonno mio - pure io dormiente -

non è sonno: è continuo (un) pensiero

ostinato

e gli occhi miei si chiudono

solo a guardarmi dentro...

Eppure io vivo. Ho l'aspetto la forma

il respiro degli uomini viventi...

Sapere è patire. Sventura

è la scienza. Coloro che più sanno

più amaramente devono

piangere il vero fato:

l'albero della scienza non fu mai

l'albero della vita.

Filosofia Meravigliosa Scienza

Conoscenza del mondo Idee sovrane

tutto provai. Tutto compresi e tutto

abbracciai col mio genio. A nulla valse.

Vano fu il tutto. Ho aiutato gli uomini

E qualcuno perfino mi aiutò.

A nulla è valso...

Bene Male Passioni Energia Vita

di che son fatti gli altri

sono per me una pioggia su la sabbia

- dopo quella mia ora innominabile. -

Non conosco terrore. Non sento

la dannazione di poter provare

paura al naturale, movimento

del cuore che batte speranza,

desiderio d'amore

nascosto per un essere terreno...

Ora... al mio compito!...

Voi, misteriose forze, spiriti

che ho cercato nelle tenebre

e nella luce,

voi che vagate sulla terra, dentro

le più sottili essenze,

abitanti le cime inaccessibili

dei monti e gli abissi

della terra e del mare,

io vi scongiuro in nome dell'incanto scritto

che a un v'asserve: destatevi!

Apparite...

Non si mostrano ancora... Per la voce

che vi comanda...

per questo segno che vi fa tremare...

per il sacro diritto dell'Eterno...

Mostratevi! Apparite, apparite!...

Se così deve essere,...

spiriti della terra e dell'aria,

voi non mi eluderete...

per un potere ancora più profondo,

per la malìa concepita in una stella

maledetta, rovina incandescente

d'un mondo distrutto

inferno errante nello spazio immenso,

per l'anatema eterno che mi pesa

terribile nell'anima,

il pensiero ch'è dentro e intorno a me,

Apparite! Ve l'ordino! Apparite!

.

In visione e in ascolto - 2 - Lang Lang - Temirkanov

2009-08-31T19:42:00.006+02:00

Altra retrospettiva sul recentissimo Festival di Verbier. Lang Lang e Yuri Temirkanov - alla testa dell'Orchestra del Festival - interpretano il Concerto n. 1 per pianoforte ed orchestra in si bemolle minore op.23 di Ciaikovsky. Nella seconda parte, l'eccellente direttore russo tornerà a guidare l'Orchestra in una vibrante esecuzione della Sinfonia n. 10 in mi minore op.93 di Dimitri Shostakovich. La registrazione, offerta da Arté Web, risale allo scorso 23 luglio.

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.

In visione e in ascolto - 1. Repin-Dutoit

2009-08-27T11:54:00.014+02:00

Di ritorno dalla sosta estiva, propongo il video diffuso sul web da Arté, registrato lo scorso 17 luglio, protagonisti il violinista Vadim Repin e la Verbier Festival Orchestra diretta da Charles Dutoit. In programma l'Ouverture festiva op.96 di Dimitri Shostakovich, il Concerto per violino e orchestra in re maggiore op.77 di Johannes Brahms e la Eine Alpensinfonie, poema sinfonico op.64 di Richard Strauss.
Buona visione.

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Chiuso per ferie

2009-07-24T11:40:00.002+02:00

Per le prossime tre settimane starò lontano da blog e computers. Gli eventuali commenti che dovessero arrivare in questo periodo troveranno quindi seguito solo dopo Ferragosto. Nel frattempo, auguro buona musica (e buone ferie) a tutti.

Personaggi (baltici) - la famiglia Järvi

2009-07-22T19:50:00.015+02:00

Per quanto il talento musicale non possa certo definirsi una qualità trasmissibile ereditariamente tout court, sin dai tempi di Bach non mancano comunque ottimi esempi di figli capaci di emulare le gesta dei padri, se non persino di superarle. Il direttore d'orchestra estone Neeme Järvi da sempre si è distinto per l'attività frenetica condotta in più continenti (attualmente risulta ricoprire le seguenti cariche: Chief Conductor dell'olandese Residentie Orkest (Den Haag), Conductor Laureate della New Jersey Symphony Orchestra, Music Director Emeritus della Detroit Symphony Orchestra, Principal Conductor Emeritus dell'Orchestra Sinfonica di Göteborg, primo direttore ospite della Japan Philharmonic Orchestra ed, infine, Conductor Laureate della Royal Scottish National Orchestra). L'instancabile dedizione che ha sempre contraddistinto il suo operato, accompagnata da una passione smisurata per la propria "missione", lo ha portato ad esplorare nella sua carriera ultra-quarantennale un repertorio di una vastità davvero impressionante, con esiti artisticamente sempre validi, se non eccellenti. Al suo personalissimo Guinness, Neeme Järvi ha aggiunto anche un curioso primato: due, dico due figli direttori d'orchestra, Paavo e Kristjan, avuti dalla moglie Liilia, così come la figlia Maarika, apprezzata flautista.
Il quarantasettenne Paavo già da otto anni figura alla guida di una delle più importanti orchestre d'America, la Cincinnati Symphony. Con un padre così debordante, il buon Paavo non potevo certo fermarsi qui; ed ecco quindi due prestigiosi incarichi in Europa, alla Radio di Francoforte ed alla Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. Con quest'ultima compagine sta ultimando un'integrale discografica delle sinfonie beethoveniane molto apprezzata dalla critica.
Eccone un esempio, tratto dalla Quinta sinfonia.

Il fratello Kristjan, di dieci anni più giovane, oltre che per il "vizietto" di famiglia, si è presto segnalato per la creazione dell' Absolute Ensemble, formazione ibrida creata da Kristjan stesso a New York, ospite di numerosi festival (ricordiamo la sua recente e applaudita partecipazione a Settembre Musica di Torino), con un repertorio che non conosce confini, spaziando da Frank Zappa a Goran Bregovic, coniugando musica occidentale, improvvisazione jazzistica, tradizione araba ed ebraica. Come detto, questo hobby non gli ha impedito di segnalarsi come promettentissimo direttore, conseguendo così vari incarichi, l'ultimo dei quali con la Tonkünstler Orchestra di Vienna. Anche l'Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI ne ha apprezzato le qualità in più di un'occasione.
A questo proposito, ecco un saggio di quelle qualità trasversali di cui si faceva cenno. Il breve brano è intitolato Route 66 (1999) e lo si deve all'estrosa inventiva dello statunitense Michael Daugherty, classe 1954.

Per chiudere, un doveroso omaggio alla terra d'origine di questa famiglia, l'Estonia.
Non perdetevi l'ascolto del primo movimento (Lento, energico) della Terza Sinfonia (1942) di Eduard Tubin. Kristjan Järvi dirige la BBC Philharmonic Orchestra.

In memoriam - Edward Downes (1924-2009)

2009-07-14T19:10:00.005+02:00

"Dopo 54 felici anni insieme, hanno deciso di porre fine alla loro vita piuttosto che lottare con seri problemi di salute". Questa la dichiarazione rilasciata a seguito della morte, scelta, di Edward Downes e della moglie Joan.
La notizia è divenuta di pubblico dominio solo oggi, a quattro giorni dall'evento, ma la scelta compiuta da questa coppia per il proprio commiato dal mondo farà discutere ancora, e molto. Non è questa la sede per commentare questo gesto estremo, per cui mi limiterò a ricordare sir Edward raffinato artista della bacchetta, grande conoscitore ed apprezzato interprete verdiano, frequentato assiduamente nei suoi cinquant'anni di recite alla Royal Opera House.
Al 1993 risale questa recita londinese dello "Stiffelio". Nel finale del primo atto cantano, tra gli altri, José Carreras, Catherine Malfitano, Gregory Yurisich.

In campo sinfonico, vale la pena di ricordare il lungo sodalizio con la BBC Philharmonic Orchestra, risalente ai tempi in cui la compagine si chiamava ancora BBC Northern Symphony Orchestra. A capo di questa orchestra, nell'ultimo scorcio di carriera incise per Chandos numerosi cd, grazie ai quali sopravviverà un'importante testimonianza delle qualità interpretative di questo direttore e delle sue inusuali scelte di repertorio, grazie alle quali riportò all'attenzione del pubblico opere misconosciute di Respighi, così come autori di scarsa frequentazione come Korngold e Gliere. Da buon britannico, non mancò di promuovere le composizioni dei propri conterranei. A chiusura di questo breve ricordo, propongo all'ascolto il secondo movimento (Corale) dalla Quinta sinfonia di George Lloyd, composta nel 1948. L'orchestra è la Philharmonia di Londra.

Senza parole

2009-07-08T22:58:00.004+02:00

Lontano da casa - 2 - Paul Hindemith

2009-07-02T20:49:00.010+02:00

Quando allo scoppio della seconda guerra mondiale, l'allora quarantacinquenne Paul Hindemith partì dalla natìa Germania per stabilirsi negli Stati Uniti, aveva già alle spalle i successi di una consolidata carriera di musicista e compositore, sviluppatasi anche in campo solistico come apprezzato violista, nonchè nel campo della divulgazione e dell'insegnamento. Ma la sua patria, almeno in quel drammatico momento storico, non intendeva rendergliene merito; neppure le comprovate origini slesiane di Hindemith lo posero al riparo dall'accusa di musicista "degenerato", con la quale venivano genericamente bollati come nemici del Reich quegli artisti portatori del nuovo o comunque inclini ad accogliere gli spifferi provenienti d'oltralpe e non rigidamente dediti al culto del modello dei padri della grande tradizione classica. Destino beffardo, se si pensa a quanto l'Hindemith compositore risulti debitore proprio di quella tradizione classica ed, in particolare, della lezione bachiana. Uno dei tratti inconfondibili dello stile hindemithiano sarà infatti sempre la robustezza contrappuntistica, arricchita da un'aggressività ritmica e da un sapiente controllo della massa sonora, derivantegli dall'inesauribile ricerca di nuove soluzioni timbriche, sperimentate nei numerosi lavori nei quali Hindemith dedicava volta per volta la propria attenzione alle più disparate famiglie di strumenti, coniugando vari idiomi musicali. Di qui la "musica d'uso" (Gebrauchmusik), i Lehrstüke (Pezzi didattici) e le famose Kammermusiken. Eccone un esempio:

Ad organico arricchito, ecco il secondo esempio: primo e secondo movimento (Mässig schnell, mit Kraft - Sehr breit, aber stets fliessend) dal Konzertstück op. 50 per archi ed ottoni (1930). BBC Philharmonic Orchestra diretta da Yan Pascal Tortelier.

Ecco l'orchestra al completo per il finale (Mäßig schnelle Halbe) dalla Sinfonia in Mi bemolle Maggiore, composta nel 1940 e proposta in prima esecuzione l'anno successivo a Minneapolis sotto la direzione di Dimitri Mitropoulos. Anche in questo caso la BBC Philharmonic Orchestra è diretta da Yan Pascal Tortelier.

E terminiamo questa rapida ricognizione ascoltando un brano tratto da un'opera corale, quel Requiem for those we love, in cui Hindemith nel 1946 su commissione della Robert Shaw's Collegiate Chorale mise in musica il poema di Walt Whitman When lilacs last in the door-yard bloom'd, dedicato alla memoria del presidente Lincoln. Anche il Requiem trasse ispirazione emotiva dalla scomparsa di un presidente USA - in questo caso Franklin Delano Roosevelt - oltre che dal cordoglio per l'enorme tributo di vite umane con cui il conflitto mondiale si era appena concluso.
Ascoltiamo l'introduzione e fuga "Lo! body and soul", settimo degli undici numeri in cui è suddivisa la composizione, interpretato dall'Orchestra e dal Coro della Sinfonica di Atlanta, diretti da quello stesso Robert Shaw cui si deve la commissione dell'opera.

Ricorrenze - 3 - Isaac Albeniz

2009-06-29T22:07:00.008+02:00

Uno dei centenari proposti dal corrente anno musicale è quello che ricorda la scomparsa del compositore catalano Isaac Albéniz, avvenuta il 18 maggio 1909 all'età di quarantanove anni. Bambino prodigio, ma scavezzacollo, fuggì di casa ancora dodicenne per sfuggire alle troppe attenzioni dedicategli dai genitori, consapevoli del suo precoce talento, che finì per sfruttare a proprio vantaggio, così da poter sbarcare il lunario là dove il suo spirito libero lo spingeva: Buenos Aires, Cuba, New York, San Francisco. Ritornato in patria, fu l'incontro con Felipe Pedrell a segnare la svolta della tormentata vita d'artista del giovane Isaac, che si convinse a divenire compositore. Il folclore spagnolo e la lezione impressionista, sapientemente miscelati, finirono per conferire un'impronta inconfondibile alla sua produzione pianistica, cui risulta tuttora legata la popolarità internazionale di Albéniz.
In questo senso, un ruolo non secondario hanno comunque giocato le trascrizioni che delle opere di Albéniz vennero compiute a più riprese. Le più conosciute restano le riduzioni per chitarra. Ascoltiamo quella celeberrima curata da Francisco Tarrega a partire dal brano Asturias (Leyenda), quinto numero della "Suite española". Alla chitarra John Williams.

Non sono ovviamente mancate le orchestrazioni di musiche così ricche di colore già nella loro versione pianistica. Ad Enrique Fernandez Arbos si deve ad esempio la versione orchestrale più eseguita della suite "Iberia". L'Orchestre de Paris diretta da Daniel Barenboim propone al vostro ascolto El Corpus en Sevilla e Triana.

Vetrina del disco - 1 - André Previn, gli anni della LSO

2009-06-27T19:02:00.002+02:00

Quando André Previn, al secolo Andreas Ludwig Priwin, assunse l'incarico di direttore principale della London Symphony Orchestra, era un quarantenne con alle spalle una carriera hollywoodiana consolidata; i suoi adattamenti musicali per il grande schermo gli avevano infatti guadagnato tredici nominations agli Oscar e quattro statuette tra il 1958 ed il 1963. L'azzardo della LSO di affidarsi a questo figlio degli States, con alle spalle un'attività certamente più intensa nel genere jazzistico e cinematografico piuttosto che sinfonico, pagò generosi dividendi, a giudicare dagli esiti artistici che l'orchestra raggiunse in quel periodo, coincidente con gli anni che vanno dal 1968 al 1979. Proprio a quegli anni è dedicato il box di dieci cd budget price messo in vendita da EMI in coincidenza con l'ottantesimo compleanno del Maestro, in cui si potranno ritrovare i cavalli di battaglia del Previn di Londra: i russi del novecento, Gershwin, Orff e tanto altro ancora (per i curiosi od interessati all'acquisto, consiglio di visitare http://www.emiclassics.co.uk/release.php?id=5099926796925)
Ascoltiamo un paio di assaggi; il primo è il finale del secondo atto del balletto "Romeo e Giulietta", proposto nel box in una generosa selezione di brani tratti dalla versione integrale del capolavoro di Prokofiev, a mio giudizio ancora oggi la migliore in disco.

Notevole il contributo di Previn alla diffusione della musica contemporanea ed, in particolare, di quella di provenienza britannica; ecco la "Passacaglia" dall'opera "Peter Grimes" di Benjamin Britten.

Per respirare un po' dell'aria anticonformista portata da quel giovanotto dai capelli a caschetto, una sorta di Paul Mc Cartney della bacchetta, consiglio la visione di un gustoso sketch tratto da uno spettacolo registrato nel 1971 dalla BBC, lo show di Morecambe & Wise, in cui Previn coinvolge l'orchestra in un'improbabile esecuzione del concerto per piano di Edvard Grieg.

Tanti auguri quindi al maestro Previn per i suoi ottant'anni, vissuti così intensamente: come detto, al suo attivo quattro Oscar, e poi dieci Grammy Awards in sette categorie (e tre generi musicali) differenti, per non parlare delle cinque mogli, alcune anche molto note al grande pubblico, come l'attrice Mia Farrow e, in epoca assai più recente, la violinista Anne Sophie Mutter. Insomma, un personaggio a tutto tondo, ancora pienamente attivo, come testimonia questo stralcio da una performance del 2007, in cui dirige l'NHK Symphony Orchestra nel finale di una delle sinfonia da lui più amate, la seconda di Rachmaninov, anch'essa inserita nel box EMI. Certo, gli anni pesano sul fisico, non sul risultato artistico.

Lontano da casa - 1 - Ferruccio Busoni

2009-06-24T19:00:00.002+02:00

Riservo a Busoni la copertina di un nuovo filone di interventi, dedicato a quei musicisti che, per scelta o più spesso per necessità, hanno dovuto proseguire la propria attività in una nuova patria, lontana dalle proprie radici natali.
Ferruccio Busoni, nato ad Empoli nel 1866 da madre triestina per metà tedesca e da padre italiano, l'una pianista e l'altro clarinettista, fu avviato agli studi musicali molto presto, divenendo pianista di grande fama già in patria; l'attività di composizione restava però la prediletta, ma anche la più avara di successi. In cerca di nuovi stimoli e riconoscimenti, iniziò a girare il mondo ricoprendo incarichi di insegnamento a Vienna, Lipsia, Helsinki, per approdare al conservatorio di Mosca nel 1890 e quindi a Boston l'anno successivo. L'autentica svolta intervenne però nel 1894 quando, abbandonato l'insegnamento, si stabilì a Berlino, eletta a città d'adozione. Il temporaneo rientro in Italia, con l'incarico di direttore del Conservatorio Giovanni Battista Martini di Bologna, coincise con un'ulteriore cocente delusione, in quanto la disorganizzazione totale del conservatorio e l'arretratezza culturale che sperimentò lo indusse a chiudere precocemente l'esperienza. Per sfuggire alle insidie della prima guerra mondiale, scelse di trasferirsi a Zurigo. Fu questo un periodo proficuo, in cui fece amicizia con il pittore Umberto Boccioni. Terminato il conflitto, Busoni, seppur incerto sull'opportunità di un suo rientro a Berlino, vista la situazione politica che andava delineandosi, venne convinto in tal senso dall'offerta di una classe di composizione da parte di Leo Kestenberg (già suo allievo di pianoforte, divenuto esponente di spicco fra gli intellettuali della Repubblica di Weimar) oltre che dall'immane esigenza di riappropriarsi della sua casa, in cui si trovavano custoditi i preziosi quadri e libri da lui collezionati nel corso degli anni. Berlino divenne così la sua dimora definitiva, sino alla morte avvenuta nel 1924.
Il suo amore per l'Italia non venne mai rinnegato, come attesta quanto scritto nella lettera all'amico Arrigo Serato, risalente al giugno 1920, di cui riporto un breve brano:
Finora, per diverse ragioni, l'avevo negletta [la Germania], per non dire evitata. Non voglio tediarti con l'enumerare le tante forme di simpatia, d'impazienza, di rimprovero, di fiducia con le quali mi si esorta a rivenire. E non ci si ferma a parole; mi si offre la scelta di qualunque posizione o intrapresa ch'io proponga o desideri. In primo luogo un posto all'Accademia dello Stato, per la suprema classe di Composizione, posizione di prima autorità, indipendente da qualunque superiore e da ogni prescrizione. Se una cosa simile fosse avvenuta a Roma, non avrei indugiato un secondo a decidermi.

Busoni compositore viene associato con maggiore frequenza alla musica scritta per il teatro (solo quattro opere in verità: Die Brautwall (La sposa sorteggiata), Turandot, Arlecchino e l'incompiuta Doktor Faust) ed a quella per pianoforte, cui deve tuttora la sua fama, caratterizzata da un felice connubio tra il rigore derivantegli dallo studio approfondito di Bach e la padronanza della tecnica trascendentale lisztiana.
La sua opera sinfonica più nota resta il monumentale "Concerto per pianoforte, orchestra e coro maschile op. 39"(1905), opera fuori dagli schemi con i suoi cinque movimenti e decisamente di difficile approccio, sia per l'arditezza della scrittura pianistica, sia per la sua lunghezza, vicina ai settanta minuti complessivi. Qui Busoni strizza l'occhio alla tradizione della musica popolare del proprio paese d'origine, coniugando i ritmi di tarantella con l'esuberanza della "Bella Gigogin".
Ascoltiamo questo movimento, il quarto dei cinque previsti dalla partitura, nella interpretazione dei coniugi Rozhdestvensky: Viktoria Postnikova al pianoforte, il marito Gennady sul podio dell'Orchestre National de France.

Tanzwalzer op. 53, composto nel settembre 1920 subito dopo il ritorno a Berlino, chiude la serie, non nutrita invero, delle composizioni per orchestra di Busoni. Seppure l'autore ne attribuisse la suggestione alle note di Johann Strauss Jr., l'ascolto di questo brano non può non riportare alla memoria le movenze di valzer dello Strauss di Baviera.

Solo orchestrale anche la Zweite Orchestersuite op. 34a, composta nel 1895 e poi rielaborata nel 1903, portante il curioso sottotitolo Geharnischte Suite (Suite corazzata), una sorta di risposta alla straussiana «vita d'eroe», divisa in quattro movimenti dai titoli battaglieri («Introduzione», «Danza di guerra», «Epitaffio» e «Assalto»), anche troppo battaglieri rispetto a quanto evocato dalla musica. L'Assalto finale è quello che, con i suoi ritmi energici e l'incisiva orchestrazione, si merita la menzione e la lode. Anche qui, come nel brano precedente, la BBC Philharmonic Orchestra è diretta da Neeme Jarvi.

Baltici - 2 - Lepo Sumera

2009-06-21T17:04:00.009+02:00

Tra i paesi appartenenti all'area baltica, un ruolo di primo piano nel campo della musica cosiddetta "seria" va riservato alla piccola Estonia. Mossi i primi passi tra le due guerre mondiali grazie ad esponenti come Heino Eller ed Eduard Tubin, la musica di origine estone ha quindi trovato la notorietà internazionale nell'ultimo scorcio del Novecento, sulla spinta di nomi come Erkki-Sven Tüür ed Arvo Pärt, quest'ultimo considerato da più parti il più importante compositore vivente. Un exploit in piena regola, che ha avuto in Heino Eller il principale ispiratore, avendo egli stesso formato con i propri insegnamenti la successiva generazione di musicisti e dato così vita ad una sorta di scuola nazionale del Novecento, di gran valore sia per quantità che per qualità.
Oggi farò da "padrino" a Lepo Sumera; nato nel 1950 e, manco a dirlo, allievo di Heino Eller, si è subito distinto per la peculiarità del proprio stile compositivo. Raffinato nel trattamento di timbri e contrasti, nelle sue sinfonie tende a sviluppare il materiale sonoro attraverso la naturale ripetizione dei temi, obbedendo ad uno schema tipico delle canzoni runiche dell'antica Estonia; ascoltate ad esempio le cicliche ondate sonore con cui si apre la Prima sinfonia (1981).

Nella loro prima esposizione, i temi, spesso assai accattivanti, partono perlopiù con sonorità al limite dell'udibile e producendo via via, con la loro ripetizione, un effetto ipnotizzante cui difficilmente ci si riesce a sottrarre; il tema di turno, ripreso dalle varie sezioni orchestrali, viene sviluppato fino al parossismo, arrivando ad un climax quasi mai liberatorio, a lasciare un senso di incompiuto, dovuto anche al progressivo depotenziamento del materiale sonoro, che ci riporta a quel senso di dondolio ipnotizzante cui facevo riferimento, che costituisce un po' il marchio di fabbrica dell'autore. Esemplare di questa tecnica compositiva la Seconda Sinfonia (1984), che ascoltiamo per intero.

Ultimo assaggio della produzione di questo compositore, purtroppo spentosi nel 2000 a soli 50 anni, è rappresentato dal finale del concerto per piano ed orchestra (1989), in cui il tema claustrofobico proposto da corno e piano, dopo un efficace gioco di accelerazioni continue, trova finalmente al suo culmine una soluzione a pieno organico. Come per gli altri estratti, l'orchestra è quella di sinfonica di Malmö, diretta da un altro orgoglioso figlio d'Estonia, Paavo Järvi. Al pianoforte, Kalle Randalu.

Ricorrenze - 2 - Igor Stravinsky

2009-06-17T19:16:00.010+02:00

Celebrato persino dal logo odierno della homepage di Google, il compleanno di Igor Stravinsky si è puntualmente ripresentato per la centoventisettesima volta; e poco conta che non ci sia più nessuno a spegnere quelle candeline: che "happy birthday" sia!

Ricordiamolo con la composizione che più di tutte lo ha consegnato alla storia: "Le sacre du printemps". Salonen dirige la Los Angeles Philharmonic Orchestra in questi estratti video, che ricompongono l'intera seconda parte, sottotitolata "Le sacrifice". Per una visione ed un ascolto ottimali, consiglio sempre di migrare su YouTube ed attivare l'opzione HQ.

Infine un assaggio da una composizione più tarda e meno eseguita: l'opera-oratorio Oedipus Rex del 1927, su testi di Jean Cocteau, ispirata alla tragedia di Sofocle. Dal secondo atto, ascoltiamo le voci del soprano Gabriele Schnaut e del tenore Peter Svensson, impegnati nella scena in cui Giocasta, ancora ignara dei contorni della tragedia ed irritata con i principi che litigano, biasima gli oracoli e difende Edipo, colto dai primi sospetti. L'Orchestre de la Suisse Romande è diretta da Neeme Jarvi.

Personaggi - 1 - Gilbert Kaplan

2009-06-15T20:41:00.011+02:00

Ebbene sì, lo ammetto: invidio Gilbert Kaplan.
Io, povero tapino completamente digiuno di erudizione musicale ma colto già da giovane da questa passionaccia per la musica sinfonica, io che, al massimo, mi sono concesso il vezzo di far volteggiare nell'aria la mia bacchetta immaginaria e di dare vita e ritmo alle note che lo stereo docilmente proponeva ai miei scomposti sdilinquimenti.
Questo mi era concesso per placare quel desiderio subliminale di protagonismo e partecipazione e tanto mi bastava; troppo poco però per le ambizioni di un Gilbert Kaplan.
Questi, dopo aver fondato un giornale finanziario nel 1965 ed essersi ritrovato milionario grazie ai proventi di questa attività ed a fortunate operazioni azionarie, ad un tratto si è scoperto fanatico paladino della musica di Gustav Mahler e, ancor più in particolare, della sua seconda sinfonia “Resurrezione”, che, con il passare degli anni, sarebbe poi diventata per lui quasi un’ossessione. Non sapendo leggere la musica, non si è perso d'animo ed avendo la vetta della "Resurrezione" come obiettivo, si è "concesso" un programma intensivo di lezioni private di musica e di direzione, affidandosi a musicisti del calibro di Bernstein, Solti e Slatkin, divi della bacchetta che i comuni mortali a stento riuscirebbero anche solo ad avvicinare. Con un viatico così promettente, la prima tappa dell'ascesa non poteva essere distante; nel 1982 eccolo raggiungere il suo primo incredibile obiettivo: affittare il Lincoln Center a N.Y., pagare un’intera orchestra (la American Symphony Orchestra) e dirigere per la prima volta la sinfonia dei suoi sogni, sfruttando l'occasione di un convegno per garantirsi un pubblico di perplessi economisti. Ma che Kaplan non fosse un dilettante qualsiasi lo si è compreso appieno quando ha iniziato a girare il mondo, dirigendo le più importanti orchestre (in Italia capitò alla Filarmonica della Scala nel 1992) ed incidendo per ben due volte il suo unico pezzo in repertorio: manco a dirlo, la "Resurrezione".
Certo, la favola non è sempre filata via senza scossoni; ad esempio, a fine 2008 sul blog di uno strumentista della New York Philharmonic sono comparsi giudizi assai poco lusinghieri su talento e tecnica del magnate col vizio della bacchetta. Ma poi tutto si è appianato, anche perchè Kaplan, continuando ad attingere con generosità alla propria fortuna milionaria per sponsorizzare in vario modo importanti orchestre del Nord America, fornisce più di uno spunto a critici ed addetti ai lavori affinchè questi ammorbidiscano i giudizi da esprimere sul suo operato direttoriale. Provateci comunque anche voi, ascoltando due estratti dalla sua registrazione del 1988 con la London Symphony Orchestra, uscita in doppio cd per le etichette indipendenti Img Classic e Conifer. Manco a dirlo, anche l'esperienza discografica non ha saputo sottrarsi a questo destino extralarge: con le sue 180.000 copie vendute, questa sua opera prima ha infatti battuto - in termini di vendite - la concorrenza degli stessi mostri sacri suoi maestri ed anche quella di tutti gli altri, con tanto di diplomi e carriere costruite pazientemente, pezzo per pezzo. Ma si sa, le favole esigono sempre il lieto fine.

Di seguito, il terzo movimento (Scherzo) In Ruhiger Fliessender Bewegung

La "coda" del finale, con le soliste Benita Valente e Maureen Forrester, col contributo del BBC Welsh Chorus.

Stelle e strisce - 1 - Samuel Barber

2009-06-13T18:21:00.013+02:00

Gli Stati Uniti d'America, occupati com'erano a dare alla luce molteplici forme d'espressione musicale quali jazz, country, gospel, rock and roll, rap e via discorrendo, hanno faticato più del dovuto a portare alla ribalta della scena internazionale autori ed esecutori attivi nel campo della musica classica e sinfonica. Sintomatico in tal senso lo stand-by di cui si sono rese protagoniste le istituzioni musicali del Nord America, che nell'affidarsi sin dagli esordi e fino agli anni '60 alle cure di grandi europei transfughi, hanno di fatto ritardato di decenni il processo di maturazione di una propria tradizione interpretativa e manageriale. Con questi presupposti, risultava certo problematica anche l'ascesa di astri nel firmamento compositivo. Unica radiosa eccezione risulta rappresentata dalla stella di George Gershwin, personaggio che oggi si definirebbe "trasversale" per la sua straordinaria capacità di coniugare il verbo della musica nera con quello della musica bianca di più antica tradizione; per l'esordio effettivo della musica seria americana occorrerà attendere l'avvento del protagonista degli odierni assaggi d'ascolto: Samuel Barber.

Nato nel 1910 in Pennsylvania, iniziò a comporre ancora bambino, perfezionando i propri studi a Roma grazie ad una borsa di studio. Sin dai precoci esordi e fino alla sua scomparsa (1981), Barber utilizzò uno stile compositivo relativamente tradizionale, lontano dallo sperimentalismo di alcuni compositori americani della sua generazione.
La sua fama risulta tuttora principalmente riconducibile all'Adagio per archi, accolto con grande favore sin dall'epoca della sua composizione (1938), ma portato al successo mondiale nel corso degli anni '80 grazie al cinema, che se ne appropriò, sottolineando con le sue note i momenti più toccanti dei film The Elephant Man di David Lynch e Platoon di Oliver Stone.

Esemplare del senso quasi lussureggiante della melodia in Barber è questo terzo tempo della Prima sinfonia (1936), che, succedendosi ai precedenti senza soluzione di continuità, porta la composizione al suo solenne epilogo. Lo ascoltiamo nell'interpretazione della Royal Scottish National Orchestra diretta da una donna americana, specchio dei tempi che (finalmente) cambiano: Marin Alsop.

Nella produzione orchestrale di Barber un posto preminente viene occupato dai tre "Essays", composti in diverse epoche (1937-42-78), ma aventi strutture piuttosto simili, in cui trovano posto momenti di intenso lirismo, così come fugaci sezioni di scherzo. Ascoltiamo l'Essay n. 2 (1942) in una registrazione dei ruggenti anni '70; la London Symphony Orchestra è diretta da David Measham.

Barber aveva solo 23 anni quando scrisse "Music for a scene from Shelley" (1933). Per commentarlo, mi ripeterei inutilmente. Meglio ascoltarlo, nella migliore esecuzione che io conosca: lo specialista Andrew Schenk a capo della New Zealand Symphony Orchestra.

Baltici - 1 - Krzysztof Penderecki

2009-06-11T22:06:00.011+02:00

Con questo post avvio le mie proposte di ascolti "non convenzionali", che mi auguro possano riservare piacevoli sorprese a chi si accosterà a questo blog. Più per sfizio che per effettiva necessità, avrei pensato di incasellare via via queste nuove proposte, inserendole nel rispettivo album di riferimento, intitolato alle varie aree geografico-culturali di provenienza dei compositori che vado ad "introdurre". In quest'ottica, a stabilire una qualche continuità col precedente post, rimango nel freddo del Nord Europa, aprendo l'album dedicato ai paesi baltici, che tanti personaggi di spicco hanno dato nella seconda metà del secolo appena conclusosi.
Dal versante sud del Baltico arriva uno dei nomi più internazionalmente noti, quello di Krzysztof Penderecki, polacco di Cracovia, nato nel 1933 e tuttora vivo ed attivo. Nelle mie intenzioni, in questo blog le tanto abusate parole dovrebbero lasciare spazio ai suoni, quindi vi lascio agli assaggi d'ascolto che avrei scelto per approcciare la produzione sinfonica di Penderecki.
Attivo nella musica d'avanguardia agli esordi della carriera, P. scoprì tardivamente il genere sinfonico, quantomeno nella sua dimensione più compiuta, la sinfonia appunto. Ascoltate quindi i movimenti 2 (Allegro con brio) e 3 (Adagio) della terza sinfonia (1988-95), in cui l'autore rende un evidente tributo alla storia del sinfonismo novecentesco ed al suo principale interprete, Dmitri Shostakovich. Antoni Wit dirige l'Orchestra della Radio Nazionale polacca.

Più personale la sinfonia-oratorio intitolata a "Le sette porte di Gerusalemme", cui nel 1997 l'autore attribuì il settimo numero del proprio catalogo di sinfonie; di questa composizione propongo l'ascolto del quarto numero "Si oblitus fuero tui, Jerusalem". Kazimierz Kord alla testa di orchestra e coro della Filarmonica di Varsavia.

Ricorrenze - 1 - Carl Nielsen

2009-06-08T20:49:00.016+02:00

Mi permetto una veloce scorribanda sul versante dell'"accadde oggi", ispirato dal caso, che ha voluto che giusto oggi buttassi un occhio inconsapevole alla biografia di Carl Nielsen, grande sinfonista danese, contemporaneo di quel Mahler con cui ho aperto le danze, e che scoprissi così la sua data di nascita, coincidente proprio col 9 giugno, anno del Signore 1865.
Nielsen, pur essendo universalmente riconosciuto come il maggior musicista danese di tutti i tempi, vede principalmente confinata la sua fama al Nord Europa ed agli U.S.A.; nei cartelloni delle stagioni concertistiche italiche risulta ancora pressochè inesistente, malgrado una sua comunque crescente fortuna discografica, legata alle integrali sinfoniche di alcune bacchette della penultima generazione (mi vengono in mente Salonen, Saraste, Vanska, oltre al più attempato Blomstedt, che ha al suo attivo addirittura due integrali). Anche Neeme Jarvi ha pubblicato negli anni '90 per la DG un'integrale di ottimo livello; proprio a lui mi affido per il doppio ascolto nielseniano prescelto, la "Marcia Orientale" e la "Danza dei guerrieri neri", numeri che rispettivamente aprono e chiudono la suite dalle musiche di scena per la commedia "Aladdin"del conterraneo Oehlenschlæger.
La registrazione risale al 2006 ed è ripresa dai boschi del berlinese Waldbühne in occasione del tradizionale concerto di benvenuto all'estate. Ad eseguire questa musica di inusuale ispirazione esotica sono proprio loro, i Berliner Philharmoniker. Buon ascolto.

Si comincia (stavolta sul serio)

2009-06-08T19:05:00.012+02:00

Il mio primo post nell'universo blog non poteva non omaggiare il compositore che più di tutti ha contribuito ad irrobustire la mia passione per la musica, ossia Gustav Mahler.

Basta affidarsi a qualsiasi motore di ricerca per rendersi conto di quanto tumultuosamente sia cresciuta la popolarità di questo musicista, per cui non pretendo certo di aggiungere alcunchè al riguardo. Spigolando qua e là, qualche cono d'ombra sembrerebbe comunque permanere ed in quella direzione cercherò di rivolgere la mia attenzione.

Per esempio, forse perchè rimasti orfani dell'orchestrazione doc del proprio creatore, restano piuttosto misconosciuti i cosiddetti "Lieder und Gesaenge aus der Jugendzeit" ("Canti e melodie dei tempi della giovinezza"), affidati da un Mahler non ancora trentenne ai soli mezzi rappresentati dalla voce umana accompagnata dal pianoforte. Ci pensò Luciano Berio nel 1986 ad orchestrare cinque di questi lieder (altri sei li orchestrò l'anno successivo), utilizzando una paletta orchestrale molto rispettosa dei timbri e dei colori usuali per il maestro di Kalischt. La mia preferenza incondizionata va al lieder intitolato "Nicht wiedersehen" (grosso modo corrisponde all'italico "A non rivederci"), che propongo quest'oggi all'ascolto in questa versione visuale da me preparata. In questa versione però, registrata nel 1985, l'orchestrazione la si deve al direttore ed orchestratore americano Harold Byrns (ancora più sobria di quella elaborata successivamente da Berio). La voce è quella del baritono Bernd Weikl. Dirige la Philhamonia Orchestra Giuseppe Sinopoli; la traduzione dei versi dal tedesco è quella di Quirino Principe.

Si comincia!!!

2009-06-05T05:27:00.006+02:00

Eccolo qui, direte voi, un altro che crede di avere qualcosa da dire e che piazza la sua barchetta di carta nel bel mezzo dell'oceano dei blogger.

A questa "eroica" decisione non ci arrivo da novizio del web; il fatto è che, dopo una frequentazione di oltre otto anni dell'universo dei newsgroups, mi scopro ributtato a riva e deciso a trovarmi una nuova dimensione. Che sia blog, dunque, senza uno schema preciso e preventivo.

La protagonista è comunque scelta e regnerà incontrastata: la musica.

Quella sinfonica, principalmente, perché è là che batte più forte il cuore; ma non mancheranno incursioni in altri generi, anche grazie al contributo che, mi auguro, potrà arrivare da coloro che benignamente riterranno di perdere tempo appresso alle mie divagazioni. In ogni caso rivolgo sin d'ora un grazie al mio silenzioso pubblico, fiducioso che possa alla fine "darmi ascolto", magari una volta al giorno.